Scott Patterson ist ein Schauspieler, der für Sullivan’s Crossing , Gilmore Girls, Little Big League und seine Rolle als Agent Stahm in den Saw -Filmen bekannt ist. Ich sprach mit Scott über seine Baseballkarriere, seinen ersten Durchbruch als Schauspieler, Seinfeld , die Rolle des Luke Danes in Gilmore Girls und seine Arbeit im Horrorgenre.
Können Sie mir etwas über Ihre Baseballkarriere erzählen und wie Sie zur Schauspielerei gekommen sind? Welche Leidenschaft kam zuerst?
Ich wurde als 13-jährige Achtklässlerin in New Jersey entdeckt, doch als ich in die elfte Klasse der High School kam, hatte ich den Sport zugunsten von Literatur, Kunst und kreativem Schreiben aufgegeben. Niemand in dieser Stadt konnte das begreifen, denn ich hatte eine so rosige Zukunft als Sportlerin vor mir. Was sie jedoch nicht begriffen, was meine Trainer und Freunde nicht verstanden, und was insbesondere ich damals nicht verstand, war, dass meine Bindung zum Baseball von meinem Vater abhing, der die Familie im Sommer zwischen meinem zehnten und meinem vorletzten High-School-Jahr verlassen hatte. Baseball ergab für mich einfach keinen Sinn mehr, es gab keinen Grund mehr zu spielen, es gab niemanden, dem ich gefallen musste, und so vertiefte ich mich in großartige Literatur, großartige Kunst, großartige Musik, träumte davon, diesem Ort zu entfliehen und mein Leben in fernen Ländern neu auszurichten.
Ich kam von einem Ort, an dem ich die Wahl hatte: eine Highschool, die mich zu Höchstleistungen anspornte, eine Institution, deren Sportabteilung nicht auf ein Kind mit gebrochenem Herzen vorbereitet war und mich zwang, mich zu entscheiden. Die Englisch-, Kunst- und Musikabteilungen hingegen nahmen mich auf, ließen mich mich frei entfalten und führten mich auf einen erfüllenderen, nachhaltigeren Weg. Letztendlich war es ein mitfühlender Vertrauenslehrer und ein paar brillante Lehrer, für die ich ewig dankbar bin.
Als ich aufs College kam, war ich schon voll und ganz auf mein Studium der Vergleichenden Literaturwissenschaft vorbereitet, als mein Mitbewohner und ich eines Herbsttages eine Lernpause machten und eine Weile Football spielten, bis er die Kanone an meiner rechten Schulter hängen sah. Fünf Stunden lang versuchte er mich zu überreden, wieder beruflich Baseball zu spielen, obwohl ich nicht weniger interessiert hätte sein können. Kurz gesagt: Ich kam schließlich wieder in Form, meldete mich für den MLB Draft an, wurde innerhalb eines Jahres dreimal gedraftet, unterschrieb beim dritten Mal und spielte sieben Jahre in den Minor Leagues, bis ich schließlich in der AAA landete. 1983 wurde ich in den Major-League-Kader der NY Yankees aufgenommen, nahm mit ihnen am Frühjahrstraining teil, schaffte es nicht ins Team, landete über den Rule 5 Draft bei den Texas Rangers, nahm am Frühjahrstraining teil, schaffte es nicht in ihr Team. Sie verkauften mich zurück an die NY Yankees und ich beendete die Saison.
Das Schauspielfieber packte mich 1981, während meines zweiten Jahres im Profi-Baseball (Braves-Organisation) in Durham, North Carolina. Ich sah den Film „Der Höllentrip“ mit William Hurt (geschrieben vom großartigen Paddy Chayefsky) und diese schauspielerischen Leistungen veränderten meinen Zustand schlagartig. Ich erinnere mich, dass ich dachte, das könnte ich, das wollte ich, eine Rolle spielen, die so gut geschrieben und so großartig gespielt war wie Bill Hurt. Ich war so fasziniert von Chayefskys Werk, dass ich wochenlang in der Bibliothek über Dämmerzustände, Dimethyltryptamin, genetische Dedifferenzierung, Schizophrenie, religiöse Allegorien, Evolution und Reizentzugstanks las. Ich war erstaunt über die Menge an Recherche, die Paddy für das Drehbuch betrieb. Drei Jahre gründliche Recherche, nachdem er nach Cambridge, Massachusetts, gezogen war, um am Ground Zero all dieser fortschrittlichen akademischen Bewegungen dabei zu sein, bevor er selbst zur Feder griff. Bemerkenswert. Das ist Kunst – Inspiration, aber mit kleinsten Details. Hat mich umgehauen.
In diesem Winter wurde ich zu den NY Yankees getradet und dem AAA-Team Columbus, Ohio, zugeteilt, wo ich mit fünf Jahren Abstand der jüngste Spieler im Kader war. Es war größtenteils eine bizarre Erfahrung, aber ich lernte zwei äußerst wichtige Dinge über mich selbst: Erstens, dass ich ein „David“ und kein „Goliath“ war. Ich war ein Außenseiter und blühte am besten auf, wenn ich gegen große Gegner antrat. Ich besiegte Giganten, wollte aber keiner sein, und die Yankees tauschten mich ein, weil ich als Mitglied der Braves ihre besten Teams besiegt hatte.
Ich erinnere mich noch an drei Spiele in Charleston, West Virginia, gegen das (ehemalige) AAA-Team der Indians. Wir mussten um 16 Uhr im Stadion sein, da das Spiel um 19:30 Uhr begann. Deshalb ging ich tagsüber in den Kinos „Blade Runner“, der gerade (1982) herausgekommen war. Ich war fasziniert von dieser düsteren, tragischen, dystopischen Vision von Ridley Scott und empfahl ihn einigen Teamkollegen. Diese sahen ihn am nächsten Tag, waren völlig abwesend und verlangten ihr Geld zurück. Kein Scherz, ich gab nicht nach.
Nach meiner Pensionierung bin ich für ein Jahr nach Europa geflohen, um einfach zu reisen und die Welt zu sehen. In Italien traf ich ein amerikanisches Paar aus New York, beide Schauspieler. Sie sagten mir, ich solle sie besuchen, wenn ich nach New York ziehe. Das tat ich, und sie brachten mich in ihren Schauspielkurs. So fing alles an, und ich habe seitdem nicht mehr aufgehört. Das war 1987. Vor langer Zeit, als die Welt noch völlig anders war.
Haben Sie eine formelle Schauspielausbildung erhalten?
Ich habe in New York bei vielen Lehrern studiert. Die bekanntesten waren Sondra Lee und der legendäre Bobby Lewis. Ich wurde als Beobachter in die Schauspiel- und Dramaturgie-/Produktionseinheit des Actor’s Studio aufgenommen, hatte die Chance, in deren Stücken mitzuspielen, und habe einige mitgespielt. Mit Freunden habe ich in SOHO meine eigene Theatergruppe gegründet, und wir haben einige gute Produktionen gemacht, Kritiken bekommen und für Aufsehen gesorgt. Also, ein im New Yorker Theater ausgebildeter Gladiator/ein Tier, lol. Das kann man auch so definieren: „Uns ist alles scheißegal außer die Arbeit.“
Wie kam es zu Ihrem ersten Durchbruch als Schauspielerin?
Meine erste Chance als Schauspielerin hatte ich in einem Off-Broadway-Stück bei Playwrite’s Horizon in der Hauptrolle. Ich war nicht besonders gut, aber ich habe daraus gelernt und war am Ende der Aufführung um einiges besser als am Anfang.
Wer sind Ihre Schauspielhelden?
Meine Schauspielhelden sind die üblichen Verdächtigen – Brando, Dean, Clift, Olivier, Williamson, Gielgud, Zena Walker, Burton, Harris, Lemon, Matthau, Redford, Newman. Mickey Rooney war göttlich, Marylin Monroe so begabt, Peter Sellers ein Meister, George C. Scott ein Löwe – zu viele, um sie alle aufzuzählen. Von den heutigen Schauspielern liebe ich Defoe (seine Bühnenarbeit ist atemberaubend). Damien Lewis, Paul Giamatti, Brian Cox, Anthony Hopkins, John Malkovich (sein „Burn This“ am Broadway 1988 war umwerfend), Joan Allen ist großartig (auf der Bühne und im Film), und ich denke, Cate Blanchet ist das größte Talent der letzten fünfzig Jahre. Olivia Williams steht Cate in nichts nach, Miranda Richardson steht Cate in nichts nach und lieferte die mit Abstand erschütterndste Szene, die ich je in einem Film gesehen habe. Ich liebe die Arbeit von John Turturro. De Niro ist ein Gigant und unser existenziellster Filmstar. Pacino ist offensichtlich ein Meister. Gabriel Byrne ist großartig. Ralph Fiennes ist außergewöhnlich und sein Hamlet war weltbewegend. Billy Crudup ist ein ganz besonderes Talent … Brad Pitt hat enormes Talent und fühlt sich gleichzeitig so wohl in seiner Haut wie kein anderer Filmstar, den ich je gesehen habe. Johnny Depp würde ich auf eine Stufe mit Pitt stellen. Ganz besondere Talente. Es gibt so viele, ich könnte ewig so weitermachen. So viele talentierte Menschen arbeiten heute.
Sie traten in der Seinfeld-Folge „Spongworthy“ auf. Wie war die Arbeit an der Show?
Surreal. Es war surreal. Es gab mir das Gefühl, ich hätte eine Chance, in diesem Geschäft etwas zu erreichen. Jerry, Michael, Jason und Julia sind nicht nur dynamische Schauspieler, sie sind auch unglaublich talentierte Komödienschauspieler und das war einschüchternd. Die Tatsache, dass sie alle während der Probenwoche so hilfsbereit und unterstützend waren, festigte meinen enormen Respekt für sie alle nur noch mehr. Mit ihnen zusammen zu sein, war einfach ein Traum. Das war es wirklich. Eine Komödie mit mehreren Kameras vor Live-Publikum kommt Live-Theater so nahe wie möglich und es gibt nichts Wichtigeres. Wenn man dann noch „Seinfeld“ als die vielleicht beste Comedy-Serie aller Zeiten hinzunimmt, ist es ein Märchen. Eine Woche lang über der Erde schweben. Jason und ich haben in dieser Woche ein paar Mal zu Mittag gegessen und Michael hat mir eine Schachtel Cubans geschenkt. Allesamt klasse Auftritte.
Wie sind Sie an die Rolle des Luke Danes in „Gilmore Girls“ gekommen?
Das Vorsprechen für Luke Danes war das zweite von dreien an diesem Tag. Ich hatte falsch geparkt, war zu spät zum dritten und musste unbedingt zum Theater, wo ich an dem Abend unterrichtete, denn das war zu der Zeit mein Hauptbeschäftigung – Schauspielunterricht geben, den ganzen Tag Privatstunden für Leute mit Vorsprechen geben. Ich war beschäftigt. Also platzte ich zum Vorsprechen herein, meisterte die Szene, verabschiedete mich und sie sagten: „Es gibt noch eine Szene. Hast du sie vorbereitet?“ Ich hatte nur eine Szene zur Vorbereitung bekommen, also blätterte ich die Seiten durch und sah die zweite Szene, aber der Rollenname in der zweiten Szene war Duke, also bereitete ich sie nicht vor. Sie sagten, ich solle mir fünf Minuten Zeit für die Vorbereitung nehmen, also ging ich raus, bereitete sie vor, ging wieder rein, meisterte sie, ging, ging zum dritten Vorsprechen, fuhr quer durch die Stadt nach Hause und auf meinem Anrufbeantworter wartete die Nachricht meines Managers, dass ich den Job bekommen hatte. Ziemlich cool. Ich schätze, wenn man für eine Rolle geeignet ist, ist es das. Mir wurde gesagt, dass sie nach meinem Vorsprechen keine weiteren Leute mehr empfangen würden, also ging ich mit einem saueren Gefühl in die Pilotfolge.
Wie war es, die Rolle in „Ein Jahr im Leben“ noch einmal zu übernehmen?
Das war seltsam. Neun Jahre waren vergangen, und ich hatte die ganze Zeit weder an die Serie noch an die Figur gedacht. Es dauerte einen Moment, bis ich mich wieder wie Luke fühlte, aber als ich endlich Luft bekam und einen Sinnesspaziergang durch das Set machte, kam alles wieder hoch. Luke + 9 war geboren, und ab ging es in den verbalen Dschungel von GG. Es war so schön, alle wiederzusehen. Lauren war überhaupt nicht gealtert, Yanic sah jünger aus (ich glaube, er ist ein Außerirdischer), Amy und Dan kleideten sich immer noch in ihrem typischen Gothic-Chic/Hipster-Stil, Milo hatte 9 Kilo Muskeln zugelegt und sah aus wie ein römischer Gladiator aus GQ. Es war einfach episch, alle wiederzusehen. Sean war wie immer freundlich. Es war eine schöne Zeit. Wir haben viel gelacht und gute Arbeit geleistet – darum geht es ja. Besonders liebe ich die Szene mit Milo, in der ich mit Mehl bedeckt bin, völlig neben mir und mir Sorgen mache, dass Lorelai die Beziehung abbrechen könnte.
Könnten Sie etwas über Ihren Podcast „I am All In“ und seine Anfänge erzählen?
Das war eine Idee mitten in der Pandemie, von der ich dachte, sie könnte tragfähig sein, und sie hat sich als gut erwiesen. Ich weiß, dass Amy Sugarman, die VP of Talent bei iHeart, die Idee verwarf, und wir hatten innerhalb einer Woche einen Deal. Es ging schnell. Amy und ich sind wie Bruder und Schwester. Wir verstehen uns. Wir bringen uns gegenseitig zum Lachen. Aus demselben Holz geschnitzt. Ich liebe die Dynamik mit Danielle und Tara, die das Quartett komplettieren, weil ich immer wollte, dass sich dieser Podcast anfühlt wie vier Freundinnen, die nach einem üppigen Essen und ein paar Drinks um einen Esstisch sitzen und plaudern, wenn es allen gut geht und sie ihre Wahrheit sagen oder ihren Mist. Einfach sein. Es ist wie eine Familie für mich. Ich freue mich auf die Aufnahmesessions und gehe jedes Mal mit einem Lächeln danach weg. Ich liebe diese Frauen. Auch für mich persönlich ist es eine wirklich einzigartige Reise, weil ich die Folgen nie gesehen habe, und es war eine wirklich augenöffnende Erfahrung, das kann ich Ihnen sagen. Ich liebe diese Fans, sie sind die besten Fans der Welt, die loyalsten und wirklich liebenswürdigsten Menschen. Ich treffe sie auf Conventions und sie sind immer so liebenswert und verletzlich, sie drücken ihre Gefühle aus und es ist eine Ehre, dass sie sich in meiner Gegenwart wohl genug fühlen, um das zu tun. Ich liebe diese Leute. Sie sind die Show.
Sie haben Agent Strahm in Saw IV und V gespielt. Wie war der Übergang zum Horror?
Es war die Chance, das damals weltweit erfolgreichste Franchise und eines der erfolgreichsten Franchises aller Zeiten zu übernehmen. Ich ging mit einem Drei-Filme-Deal und viel Hoffnung in die Rolle, stürzte mich in die Rolle und genoss jede Minute des ersten Films. Der Regisseur war klug genug zu erkennen, dass er mich nur bei den Proben durchziehen lassen und die Feinheiten absprechen musste, um eine gute Zusammenarbeit und ein überzeugendes Ergebnis zu erzielen. Beim zweiten Film gab es einige Probleme mit dem Drehbuch und massive Logiklücken, aber ich war total begeistert, also Glück.
Ich habe die Rolle eines FBI-Profilers übernommen, den ich noch nie zuvor gespielt hatte. Es hat mich fasziniert und Spaß gemacht. Ich bin froh, dass es den Leuten gefallen hat und dass die Fangemeinde auch sehr loyal ist. Tolle Leute, und sie stellen die detailliertesten und faszinierendsten Fragen, wenn ich sie treffe.
Gibt es ein bestimmtes Genre, in dem Sie gerne arbeiten würden?
Momentan drehe ich an einem Fernsehdrama namens „Sullivan’s Crossing“ und ich muss sagen, die Arbeit macht mir wirklich Spaß. Es ist jeden Tag eine tiefgründige, emotionale Arbeit, die natürlich anstrengend ist, aber man sieht auch, was in einem als Schauspieler steckt. Es ist eine tägliche Gratwanderung: Schafft man es, die Dinge durchzuziehen und kann man die Balance über einen langen Zeitraum von vier Monaten Drehzeit halten, 5000 Kilometer von meiner Frau und meinem Sohn entfernt? Es ist die beste Arbeitserfahrung, die ich je gemacht habe, was die Zusammenarbeit, die Tiefe der Arbeit und die Herausforderung angeht, dem Material gerecht zu werden. Es ist anspruchsvoll und beängstigend, und genau deshalb nehme ich es an. Als Künstler müssen wir uns in diese tiefen Gewässer stürzen, wenn wir die Chance und Hoffnung haben, zu überleben. Nur so können wir in unserer Kunst wachsen.
Sie sind auch Musiker. Ist das etwas, das Sie gerne in Ihre Schauspielkarriere integrieren würden?
Ich spiele seit meiner Kindheit Gitarre und habe ziemlich schnell angefangen, Songs zu schreiben. In der vierten Klasse gründete ich mit einem Kumpel eine Band, und in der fünften Klasse wurden wir schon von den Sechstklässlern bemerkt, obwohl wir nur halb so groß waren wie sie. Die Band blieb bis zur Highschool bestehen, aber ich verließ sie im vorletzten Schuljahr.
Alle paar Jahre mache ich Schreib-Auszeiten, bei denen ich mich tagelang in mein Studio vertiefe, neue Musik höre, mich inspirieren lasse und weiterschreibe. Es ist für mich eine Art Meditation – genauso wie Skifahren –, bei der ich alles ausblende und einfach im Moment lebe. Der kreative Prozess ist etwas, das ich so sehr liebe, egal ob beim Schauspielern, Songschreiben, Malen oder Skifahren (ja, kreativ ist, weil man sich eine Linie ausdenkt und sie dann umsetzt, aber flexibel genug ist, sie unterwegs zu ändern).
Und wie ich es in meine Schauspielerei einbauen soll? Ich verstehe den Sinn nicht wirklich. Es ist dasselbe, aber eine eigene Disziplin. Schauspielerei ist eine Gruppenaktivität, auch wenn sie diese Intimität mit dem eigenen wahren Selbst erfordert, die man zufällig vor einem Raum voller Menschen erfährt. Ich denke, ein Monologsprecher ist eher mit einem Songwriter vergleichbar, da sie ein einsamer Künstler sind, der erst dann vor Publikum arbeitet, wenn sein „privates“ Gold abgebaut ist. Schauspielerei ist eine Essensschlacht. Schauspielerei ist eine Wasserbombenparty für Kinder. Schauspielerei ist ein Familientreffen, bei dem nicht alle einer Meinung sind und Onkel Chester dann zu viel Johnny Walker trinkt und anfängt, über seine tote Katze zu weinen. Es kann herrlich sein, aber es ist auch stressig. Man muss im Chaos gut zurechtkommen. Man muss flink sein und mit Phantomen tanzen können.
Sie spielen derzeit eine Hauptrolle in „Sullivan’s Crossing“. Können Sie mir mehr darüber erzählen?
Meine Managerin rief mich an und sagte: „Eine bekannte Autorin, Produzentin und Showrunnerin möchte dir diese Rolle in ihrer neuen Show anbieten. Kannst du sie per Zoom anrufen, damit sie sich mit dir austauschen kann?“ Also telefonierte ich mit Roma Roth und wir verstanden uns auf Anhieb. Ich liebe sie. So talentiert, so witzig, so herzlich. 90 Minuten Telefonat. Danach rief ich die Managerin an und sagte: „Lass uns ein paar Drehbücher lesen.“ Sie schickte mir ein paar Drehbücher, und mir fiel die Kinnlade runter, weil mir das Material Angst machte. Ich weiß nicht, ob ich das schaffen kann. Es ist eine anspruchsvolle Rolle, die jeden Tag aufs Neue fordert. Es war atemberaubend zu lesen – und ein echtes Kompliment zu wissen, dass Roma dachte, ich könnte das schaffen. Das war von Anfang an faszinierend. Mir wurde klar, dass diese Rolle genau der Grund war, warum ich überhaupt Schauspielerin werden wollte – die Angst davor, wohin sie mich führen würde, die Unsicherheit, die Inspiration, die mir so viel Inspiration bot, aber auch die Chance, mit der Zeit eine Performance zu entwickeln. Ich sagte ja und habe es nie bereut. Roma erwies sich als die beste Komplizin, die man sich nur wünschen kann, als der mutigste und talentierteste Mensch, der mir je begegnet ist. Ihre Fähigkeit, in ihren Texten wahre emotionale Tiefe einzufangen und ihren Schauspielern zu vertrauen, diese zum Ausdruck zu bringen, ist meiner Erfahrung nach unübertroffen. Sie glaubt an uns. Sie respektiert uns als Menschen und als Künstler. Sie kümmert sich mehr als jeder andere, den ich je gesehen habe. Sie arbeitet härter als jeder andere, den ich je gesehen habe. Die erste Staffel wurde in Kanada bereits ausgestrahlt und die Show war jede Woche auf Platz eins und jede Woche im Trend. Die Fans lieben diese Show. Die Besetzung und die Crew sind so brillant und fleißig und lustig und großzügig. Ich liebe diese Leute. Wir debütieren diesen Herbst in den USA auf The CW Network und werden hoffentlich auf der ganzen Welt ausgestrahlt. Diese Serie ist einfach urkomisch. Die Charaktere sind alle einzigartig und auf ihre Art kraftvoll, die Themen vertraut – Familienstreit, ein Vater, der sich nach der Rückkehr seiner Tochter sehnt, eine Tochter, die sich mit einer gescheiterten Karriere abfindet und vielleicht eine neue Liebe findet, eine Gemeinschaft, die zusammenhält und sich gegenseitig unterstützt. Echte Menschen, echte Orte, Familienwerte, die in den letzten 15 Jahren im Fernsehen stark unterrepräsentiert waren. Wer sich nach einer Neuauflage von „This Is Us“ sehnt, ist hier genau richtig.
