Nur wenige Karrieren in Hollywood scheinen so stabil und doch irgendwie immer noch wild zu sein wie die von Tim Burton. Als einer der führenden Genrefilmemacher seit den 80er Jahren hat Burton einige der ikonischsten und beständigsten Filme der letzten Jahrzehnte geschaffen. Vielleicht hat er sich auch auf Kosten seiner Geschichten auf sein ausgeprägtes Gespür für Stil verlassen, was zu einer Reihe von Filmen geführt hat, die schön anzusehen, aber emotional leer sind.
Wenn Burton in Bestform ist, sind seine Filme hell, kreativ, einfallsreich und fast magisch. Obwohl alle seine Filme eine einzigartige Burton-artige Ästhetik haben, ist ihre Qualität weniger einheitlich. Dennoch kann man es einem Filmemacher kaum verübeln, der in seiner Herangehensweise an das Produktionsdesign so standhaft ist und den Schauspielern, mit denen er eine Beziehung aufgebaut hat, gegenüber loyal ist. Wenn Sie einen Film von Tim Burton sehen, wissen Sie in der Regel, was Sie erwartet – im Guten wie im Schlechten.
19. Große Augen (2014)
Der Titel sagt schon alles, nicht wahr? Die Augen sind zu groß.
„Big Eyes“ ist die biografische Geschichte eines Ehemanns (Christoph Waltz, in der richtigen Bösewicht-Form), der dafür bekannt ist, Porträts von Figuren mit übertrieben großen Augen zu malen. Er ist auch ein Betrüger; Seine Frau (Amy Adams) ist diejenige, die das Gemälde malt. Es ist eine bemerkenswerte wahre Geschichte, die zeigt, wie Männer die Leistungen von Frauen anerkennen, ein Trend, der in der Geschichte nur allzu häufig vorkommt.
„Big Eyes“ schnitt an den Kinokassen einigermaßen gut ab und erhielt eine verhaltene, aber im Allgemeinen positive Resonanz von den Kritikern. Die Leistungen von Waltz und Adams sind stark – Adams gewann für ihre Leistung sogar einen Golden Globe –, obwohl Tempo und Ton des Films etwas uneinheitlich sind. Daran ist eigentlich nichts auszusetzen, aber „Big Eyes“ schaffte es nicht, das Publikum flächendeckend anzusprechen. Warum? Ehrlich gesagt, es sind wahrscheinlich die Augen. Sie sind einfach gruselig.
18. Dumbo (2019)
Tim Burton ist wahrscheinlich auf die Frage gestoßen: „Muss diese Adaption oder dieses Remake wirklich existieren?“ mehrmals im Laufe seiner Karriere. Mit „Dumbo“ hatte derjenige, der fragte, recht. Die Animation im Original „Dumbo“ ist so ikonisch, so einprägsam und so beliebt, dass es sich nicht zu lohnen scheint, zu versuchen, sie in Live-Action nachzubilden.
„Dumbo“ ist natürlich die Geschichte eines jungen Elefanten mit riesigen Ohren, die ihm die Fähigkeit zum Fliegen verleihen, der traumatisch von seiner Mutter getrennt wird. Das ist vielleicht ein Teil des Problems. „Dumbo“ ist ein zutiefst erschütternder, einfach nur trauriger Film. Burton kann bittersüß und melancholisch sein, aber es scheint ihm schwer zu fallen, traurig zu sein – ein Hauch von Verspieltheit untergräbt die Geschichte. Es hilft sicherlich nicht, dass „Dumbo“ eines der letzten in einer langen Reihe von Live-Action- Disney -Remakes ist, von denen jedes weniger neuartig und ermüdender ist als das letzte.
17. Dunkle Schatten (2012)
„Dark Shadows“ ist nichts weniger als eine Ikone des Mid-Century-Fernsehens. Die Ausstrahlung begann im Jahr 1966 und lief mit beeindruckenden 1225 Episoden. Damit war sie eine der ersten Seifenopern, die Genre-Storytelling nutzte und gleichzeitig die Aufmerksamkeit einer ganzen Generation von Zuschauern auf sich zog. „Dark Shadows“ wurde zunächst von Handlungssträngen rund um den wohlhabenden, aber instabilen Collins-Clan dominiert und erlangte unglaubliche Popularität, als Barnabas Collins, ein Vampir, der nach 200 Jahren in einem Sarg heimkehrte, in der Serie auftauchte.
Neben „The Munsters“ und „The Addams Family“ rangiert „Dark Shadows“ ziemlich weit oben auf der Liste der Fernsehsendungen, die scheinbar fest in der Feder von Tim Burton stehen. Doch als Burton schließlich den Film drehte, in dem Johnny Depp und Eva Green die Hauptrollen spielen, war er beim Publikum enttäuschend. Vielleicht weil die Serie aus buchstäblich über 1.000 verschiedenen Handlungssträngen aufgebaut war, fiel es Burton schwer, eine zusammenhängende Erzählung zu konstruieren, die über das zentrale Konzept „Fische aus dem Wasser“ hinausgeht. Was auch immer der Grund war, dies war ein Wendepunkt und zeigte, dass das Publikum allmählich von der häufigen Zusammenarbeit zwischen Burton und Depp sauer wurde.
16. Miss Peregrines Heim für besondere Kinder (2016)
Als der Roman „Miss Peregrine’s Home for Peculiar Children“ zum ersten Mal erschien, erregte er mit seinen seltsamen und beunruhigenden historisch anmutenden Fotografien von Kindern mit ungewöhnlichen Kräften sofort die Aufmerksamkeit der Leser. Es ist auch eine dieser Geschichten, die auf Ästhetik statt auf eine zusammenhängende Handlung setzen. Das macht „Miss Peregrine’s Home“ zu einem Film, der Tim Burton natürlich gefallen würde, der aber auch seine eigenen Mängel als Regisseur offenlegt, da er dazu neigt, sich auf die visuellen Elemente zu konzentrieren und alles andere auf Kosten von allem anderen zu tun.
Bei „Miss Peregrine’s Home for Peculiar Children“ handelt es sich um ein Heim für Kinder mit besonderen Fähigkeiten, die in einer Zeitblase gehalten werden, um sie vor schändlichen Kräften zu schützen, die ihnen Schaden zufügen würden. Es ist eine faszinierende Idee mit viel Potenzial, aber sie verpufft irgendwie, ohne großen Eindruck zu hinterlassen (obwohl, um fair zu sein, zwei Stunden, in denen man Eva Green in ihrer exzentrischsten Form zuschauen kann, zwei Stunden gut investiert sind).
15. Planet der Affen (2001)
„Planet der Affen“ stellt für Burton auf Anhieb eine ziemliche Herausforderung dar. Er muss in ganz große Fußstapfen treten: Die Originalfassung mit Charlton Heston in der Hauptrolle erfreut sich nahezu aller Beliebtheit. Im Gegensatz zu einigen anderen Eigenschaften, die Burton adaptiert hat, gibt es für den Regisseur nur begrenzten Spielraum, den Dingen seine ganz persönliche Note zu verleihen, und es fühlt sich fast so an, als wäre er von seinem ersten Ausflug in die Produktion von Action-Blockbuster-Filmen eingeschüchtert.
Abgesehen vom bemerkenswerten Make-up und den wunderbaren Darbietungen von Helena Bonham Carter und Tim Roth gibt es an „Planet der Affen“ nicht viel zu empfehlen. Als Burton „Batman“ adaptierte, nahm er sich einer ähnlich bekannten Geschichte an, ließ sich aber von ihr inspirieren. Hier scheint er sich einfach zu verlieren. So sehr sich manche Leute auch beschweren mögen, dass Burtons typischer Sinn für Stil abgestanden ist, wird er zweifellos vermisst, wenn er nicht mehr da ist.
14. Charlie und die Schokoladenfabrik (2005)
Die Originalverfilmung von „Charlie und die Schokoladenfabrik“, die 1971 herauskam und in der Gene Wilder die Hauptrolle spielte, mag den Autor Roald Dahl wütend gemacht haben, aber sie war beim Publikum beliebt. Dennoch entschieden Tim Burton und Co. nach über 30 Jahren, dass die Zeit reif für eine neue Version sei.
Was folgte, war nichts weniger als ein böser LSD-Trip, der die Geschichte eines armen Jungen erzählte, der allen Widrigkeiten zum Trotz eine goldene Eintrittskarte für eine Führung durch eine fantasievolle Schokoladenfabrik gewinnt, und die ohnehin schon extreme Reizüberflutung um etwa tausend Grad steigerte. Burton lässt Depp auch völlig von der Leine und lässt ihm freie Hand, seine Interpretation von Willy Wonka so seltsam und abstoßend zu gestalten, wie er möchte.
Das Ergebnis ist eine völlig selbstgefällige Darbietung, die Wonka wieder in den Mittelpunkt der Aufmerksamkeit rückt, während er eigentlich in Charlies Erzählung in den Hintergrund treten soll. Wilders Wonka war ein seltsamer Typ, aber er strahlte auch Wärme und Einfühlungsvermögen aus, selbst wenn er den desinteressierten Gastgeber spielte. Depp hingegen baut einen Chocolatier auf, der kalt und zu fremdartig ist, um mit den anderen Charakteren in Verbindung zu treten. Und ganz gleich, welches visuelle Spektakel es auch sein mag, es kann einen völlig seelenlosen Willy Wonka nicht ersetzen.
13. Sweeney Todd: Der Dämonenfriseur aus der Fleet Street (2007)
Lassen Sie uns einen kurzen Moment für all die Leute verschwenden, die „Sweeney Todd: Der teuflische Barbier aus der Fleet Street“ ins Kino sahen und erst dort merkten, dass es sich um ein Musical handelte. Und nicht irgendein Musical, sondern eines von Stephen Sondheim, dem Autor einiger der anspruchsvollsten und am wenigsten eingängigen Broadway-Songs.
Die Geschichte eines Friseurs (Johnny Depp), der fälschlicherweise anderthalb Jahrzehnte lang inhaftiert wurde, nachdem seine schöne Frau die Aufmerksamkeit eines lasziven Richters auf sich gezogen hatte, ist nur der Anfang der Tragödie in „Sweeney Todd“. Todd schwört Rache an den Machthabern, die sein Leben ruiniert haben. Er begibt sich auf eine Mordserie, schneidet ihnen die Kehle durch und lässt sie von seiner Mitverschwörerin Mrs. Lovett (Helena Bonham Carter) zu den besten Kuchen Londons backen.
Tim Burtons einzigartiger visueller Stil passt gut zu diesem grausigen Musical und Depp und Bonham Carter haben jede Menge Spaß daran, in ihrer viktorianischen Höllenlandschaft Amok zu laufen. Dennoch gelingt es beiden nicht, Sondheims Musik angemessen gerecht zu werden, was selbst für klassisch ausgebildete Sänger schwierig ist. Und am Ende des Tages ist „Sweeny Todd“ ein Filmmusical, in dem es darum geht, Menschen Kuchen zu backen – es hatte immer nur begrenzten Reiz.
12. Frankenweenie (2012)
„Frankenweenie“ muss eines der persönlichsten Projekte von Tim Burton sein. Lange bevor er die 2012er Version von „Frankenweenie“ veröffentlichte, erweckte er sie als Kurzfilm zum Leben und drehte ihn in den 80er Jahren während seiner Arbeit für Disney in Live-Action. Tatsächlich entließ ihn Disney wegen „Frankenweenie“ mit der Begründung, er verschwende zu viel Geld für einen Film, der für Kinder ungeeignet sei. Burton hatte jedoch den letzten Lacher – Paul Reubens sah „Frankenweenie“ und mochte den seltsamen Film so sehr, dass er Burton als Regisseur von „Pee-Wees großes Abenteuer“ auswählte, was Burtons Karriere startete.
Wie dem auch sei, mit einem gewissen Triumphgefühl hat Burton 2012 „Frankenweenie“ noch einmal aufgegriffen. Der Film über einen Jungen, der versucht, mithilfe von Elektrizität seinen geliebten Hund wieder zum Leben zu erwecken, ist eine liebevolle Hommage an die Universal-Frankenstein-Filme aus dem Jahr 2012 30er Jahre. Obwohl sowohl die Stimmung als auch die Farbpalette düster sind, macht die liebevolle Bindung im Zentrum des Films ihn zu einer süßen und fesselnden Geschichte.
11. Alice im Wunderland (2010)
„Alice im Wunderland“ von Lewis Carroll ist der klassische Kinderroman, der am besten zu Tim Burtons besonderen Talenten passt. Als Alice in den Kaninchenbau und in eine seltsame neue Welt fällt, wird sie ständig von allem und jedem, dem sie begegnet, auf dem falschen Fuß erwischt.
Hier zeichnet sich Burton aus. In seinen Händen ist die Welt des Wunderlandes ein üppiges visuelles Fest, genauso chaotisch und bizarr, wie es sich selbst das fantasievollste Kind erträumen kann. Die Kostüme, das Make-up und das Bühnenbild arbeiten alle in perfekter Harmonie (oder eigentlich Disharmonie) zusammen und schaffen eine Umgebung, die gleichermaßen charmant und äußerst beunruhigend ist. Es ist eine Reizüberflutung im wahrsten Sinne des Wortes, denn jeder neue und aufregende Charakter zerstört Alices Realitätssinn. Und trotz all der übertriebenen Designentscheidungen von Burton ist diese Adaption von „Alice im Wunderland“ dem Geist des Originalwerks möglicherweise am treuesten.
10. Marsangriffe! (1996)
In fast jeder erdenklichen Weise ist „Mars Attacks!“ ist eine deutliche Abkehr von der Art von Filmen, die Tim Burton normalerweise macht. Bis zu diesem Zeitpunkt hatte er sich noch nicht wirklich mit der Welt der Science-Fiction beschäftigt. Aber hier schafft Burton ein absichtlich kitschiges Weltraumepos, in dem Marsmenschen mit katastrophaler Wirkung in die Erde eindringen.
„Marsangriffe!“ wurde nur wenige Jahre nach „Ed Wood“ veröffentlicht und ist eindeutig eine Hommage an die schlockigen Science-Fiction-Filme der 50er Jahre, für die Wood berühmt war. Aber es wurde auch im selben Jahr wie „Independence Day“ veröffentlicht, was bei Zuschauern, die den Witz nicht unbedingt verstanden hatten, wenig hilfreiche Vergleiche hervorrief. „Mars-Angriffe!“ ist ein sehr alberner, aber auch liebenswerter Film, und obwohl er bei seinem ersten Erscheinen nicht für Furore an den Kinokassen sorgte, ist sein Ruf im Nachhinein gewachsen – er wird mittlerweile von vielen als Kultklassiker angesehen.
9. Leichenbraut (2005)
Wann immer Tim Burton von der Tradition abweicht und mit leuchtenden Farbpaletten und Sonnenschein experimentiert, vermittelt er immer das Gefühl, dass er sich danach sehnt, in die Schatten zurückzukehren. „Corpse Bride“ ist vielleicht nicht Burtons berühmtester oder von der Kritik am meisten gefeierter Film, aber es ist vielleicht der Tim-Burton-Film mit dem meisten Burton-Charakter, den es gibt.
Natürlich könnte ein solcher Film nicht ohne Burtons alte Getreue Johnny Depp und Helena Bonham Carter gedreht werden. Depp spielt Victor, einen sanftmütigen Mann, der kurz vor der Hochzeit mit seiner geliebten Victoria steht, als er versehentlich eine tote Frau namens Emily heiratet, die ihn an seine Gelübde hält und ihn in die Unterwelt entführt. Die düstere, eckige Stop-Motion-Animation ist ein technisches Wunderwerk und dient als perfekte Ergänzung zur gruseligen Erzählung, die Horror, Fantasie und Romantik auf eine Weise in Einklang bringt, wie es nur Tim Burton kann.
8. Sleepy Hollow (1999)
„The Legend of Sleepy Hollow“, geschrieben von Washington Irving im Jahr 1820, ist eines der ersten Stücke eindeutig amerikanischen Horrors. Es erzählt die Geschichte des unglückseligen Schullehrers Ichabod Crane und seiner tragischen Begegnung mit dem kopflosen Reiter. Es ist ein Stück, das über die Jahrhunderte hinweg nachhallte, aber für jeden, der es in einen Spielfilm verwandeln möchte, eine Herausforderung darstellt: Irvings „Sleepy Hollow“ ist nur etwa 24 Seiten lang, kaum mehr als eine Geschichte, die man am Lagerfeuer erzählt .
Dennoch besitzt der Originaltext viele typische Eigenschaften von Tim Burton-Projekten, insbesondere einen kraftvollen, aber dennoch eigenartigen Sinn für das Makabre. Kein Wunder, dass es für Burton schwierig war, diesem Film zu widerstehen. Burton nimmt einige Änderungen an der Geschichte vor, die Irving-Puristen vielleicht verärgern, aber das Endergebnis ist eine Adaption von „Sleepy Hollow“, die sowohl dem Geist des Originalwerks treu bleibt als auch eine frische, neue Geistergeschichte ist, die auf ihre Art spannend ist.
7. Batman kehrt zurück (1992)
Obwohl Tim Burton gerne Schauspieler, Motive und Themen wiederverwendet, greift er selten auf Filme zurück, die er bereits gedreht hat. Natürlich war er zu Beginn seiner Karriere bereit, einen Kurzfilm zu einem Spielfilm auszubauen, um ihm gerecht zu werden, aber im Allgemeinen macht er einfach keine Fortsetzungen. Tatsächlich ist „Batman Returns“, nachdem sein „Beetlejuice“-Nachfolger offiziell tot ist , der einzige, den er jemals gemacht hat.
Und wir haben großes Glück, dass er das getan hat, denn Burton leitete eine Produktion, die uns sowohl Danny DeVito als den Pinguin als auch Michelle Pfieffer als Catwoman einbrachte, zwei der besten Kinoversionen von Comicfiguren aller Zeiten. Mit „Batman Returns“ hat Burton das Seltenste aller Dinge geschaffen: einen Big-Budget-Blockbuster, der auch als künstlerisch gelten könnte. Mit seinen beiden „Batman“-Filmen löste Burton das Vermächtnis eines Comics wieder auf, dessen Leinwandpräsenz zum Synonym für „Camp“ geworden war, und trug dazu bei, dass „Dark Knight“ genau das war – düster.
6. Großer Fisch (2003)
Was ist am wichtigsten: Wie erinnern wir uns an unsere Vergangenheit oder was ist wirklich passiert? Die Grenzen zwischen den beiden verschwimmen in „Big Fish“, einem ungewöhnlich sentimentalen Film von Burton, der sich in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts abspielt. Es folgt dem außergewöhnlichen Leben von Ed Bloom (gespielt von Albert Finney als alter Mann und Ewan McGregor als jungem Mann) und den Versuchen seines geradlinigen Sohnes (Billy Crudup), Realität von Fiktion zu trennen. Es fungiert gleichzeitig als Hommage an ein gut gelebtes (oder zumindest gut vorgestelltes) Leben, als Meditation über die Erinnerung und als berührende Versöhnung zwischen einem Vater und einem Sohn, die unterschiedlicher nicht sein könnten.
Burton legt seine dunkle, gotische Farbpalette beiseite und entscheidet sich stattdessen für eine helle, magische Ästhetik, die Blooms Leben als voller Möglichkeiten darstellt. Jede einzelne Anekdote mag ausgeschmückt sein, aber das spielt keine Rolle. In „Big Fish“ sind die Geschichten so fesselnd, dass es schade erscheint, die Wahrheit dazwischenkommen zu lassen.
5. Batman (1989)
„Batman“ ist ein Film, von dem fast niemand erwartet hatte, dass er ein Erfolg wird. Der Regisseur war ein Mann, dessen zwei andere Filme alberne, exzentrische düstere Komödien waren. Er hatte noch nie einen Actionfilm gedreht und arbeitete plötzlich mit einem Budget, das dreimal so groß war wie alles, womit er zuvor zu tun hatte. Darin war Michael Keaton zu sehen, ein Schauspieler, der vor allem für seine Komödien bekannt war, weit entfernt von dem schroffen, grüblerischen Batman.
Doch allen Widrigkeiten zum Trotz übertraf „Batman“ alle Erwartungen, spielte über 400 Millionen US-Dollar an den Kinokassen ein und gewann einen Oscar für die beste künstlerische Leitung. Abgesehen von Keatons Leistung, die die doppelte Präsenz von Batman und Bruce Wayne auf eine Weise einfängt, die nur wenigen anderen Schauspielern gelungen ist, ist Burtons wertvollster Beitrag zur Welt von „Batman“ seine einzigartige Vision von Gotham. Es ist dunkel und schattig, aber das Ganze hat eine gewisse Raffinesse und eine Liebe zum Detail, die der Stadt nebliges, gotisches Leben einhauchen.
4. Pee-Wees großes Abenteuer (1985)
Obwohl er bereits einige Kurzfilme gedreht hatte, war „Pee-Wee’s Big Adventure“ Tim Burtons Spielfilmdebüt. Obwohl Paul Reubens die Figur des Pee-Wee Herman – ein seltsames männliches Kind irgendwo zwischen New Wave der 80er Jahre und Mr. Rogers – in einer Bühnenproduktion namens „The Pee-Wee Herman Show“ fünf Jahre zuvor in Burtons Kino geschaffen hat Die Interpretation der Figur machte Pee-Wee zu einem bekannten Namen.
Die Geschichte ist einfach: Nachdem Pee-Wees geliebtes Fahrrad gestohlen wurde, begibt er sich auf eine wilde Reise quer durchs Land, um es wiederzugewinnen, und gerät dabei in verschiedene Spielereien. Die helle, kindliche Ästhetik passt perfekt zu Burtons Design-Gefühlen. Wie viele von Burtons Filmen ist er irgendwie für Kinder gedacht, hat aber auch eine subversive, fast unheimliche Qualität, die sich einer einfachen Kategorisierung entzieht. Oh, und haben wir Large Marge schon erwähnt? Traumatisierend.
3. Edward mit den Scherenhänden (1990)
Tim Burtons Designarbeit ist immer interessant und meist auffällig, aber in „Edward mit den Scherenhänden“ kann sie auch als schön angesehen werden. „Edward mit den Scherenhänden“, ein modernes Märchen, erzählt die Geschichte eines Mannes (Johnny Depp), der von einem exzentrischen Erfinder gebaut wurde. Doch der Schöpfer starb, bevor er die Arbeit beenden konnte, und hinterließ Edward große, einschüchternde Messer als Finger. Dennoch ist er eine unschuldige und sanfte Seele, jemand, der von einer typischen Vorstadtfamilie aufgenommen wird, wo er sich sofort in ihre Tochter im Teenageralter (Winona Ryder) verliebt.
In Burtons Werken sticht oft die visuelle Darstellung hervor, während die Handlung etwas enttäuschend ist. In „Edward mit den Scherenhänden“ harmoniert jedoch alles perfekt, wobei Burtons skurrile Ästhetik als Kontrapunkt zu einer süßen, melancholischen Liebesgeschichte dient. „Edward mit den Scherenhänden“ ist eine von Burtons krönenden Leistungen als Regisseur und erinnert uns daran, wozu er fähig ist, wenn er wirklich inspiriert ist.
2. Beetlejuice (1988)
Allein aufgrund seines Bühnenbilds und seiner praktischen Wirkung ist „Beetlejuice“ einer von Burtons besten Filmen. Nachdem ein Paar (Alec Baldwin und Geena Davis) bei einem tragischen Autounfall ums Leben kommt, spuken sie in dem Haus herum, in dem sie lebten, als sie noch lebten. Es gibt nur ein Problem: Ihr Haus wurde verkauft, und der einzige Weg, die neuen Besitzer zum Verlassen zu bewegen, besteht darin, sie zu verscheuchen, eine Leistung, die durch die Tatsache erschwert wird, dass diese beiden wahrscheinlich die unscheinbarsten Geister aller Zeiten sind.
Betreten Sie Beetlejuice (ein völlig unbekannter Michael Keaton), ein Poltergeist, der garantiert, dass er jeden zum Umziehen verängstigen oder einfach nur verärgern kann. All dies trifft Burtons Sweet Spot. Es ist spielerisch-morbide und das Produktionsdesign ist unglaublich einfallsreich. „Beetlejuice“ gab Winona Ryder auch eine der Rollen, für die sie bis heute am bekanntesten ist: Lydia, die Gothic-Tochter der neuen Besitzer, die sich mit den Geistern anfreundet love and monsters.
1. Ed Wood (1994)
„Ed Wood“ ist ein Paradebeispiel dafür, wie Tim Burton einen Weg findet, seinen einzigartigen Stil zu nutzen, ohne dass er einen Film dominiert. Burtons bester Film ist ein Liebesbrief an Ed Wood, einen närrisch optimistischen Regisseur, der für „Plan 9 From Outer Space“ verantwortlich war, der weithin als einer dieser Filme angesehen wird die schlechtesten Filme, die je gedreht wurden. Es zeigt Johnny Depp auf genau dem richtigen Grad an Verrücktheit und erschafft eine Version von Wood, einem gutherzigen Außenseiter, der entschlossen ist, in den konformistischen 1950er Jahren einen Weg zu finden, er selbst zu sein.
Wood ist ein Charakter mit wenig Selbstbewusstsein, aber er löst beim Publikum kein Mitleid aus. Stattdessen sehen wir Woods Filme durch seine Augen: Liebesarbeit, die man wertschätzt, nicht verspottet. Und wir sind noch nicht einmal bei Martin Landaus überragender Leistung als drogensüchtiger Bela Lugosi angelangt. Landau nimmt diesen stacheligen Schauspieler, der seine besten Jahre bereits hinter sich hat und das weiß, und vermittelt ihm ein unglaubliches Gefühl von Verletzlichkeit und Tiefe. Landau gewann dafür einen Oscar als bester Nebendarsteller, und das aus gutem Grund: Es handelt sich um eine der besten Einzelaufführungen der letzten 30 Jahre.
